quinta-feira, 16 de abril de 2015

Doce Pássaro da Juventude


Vou dizer por palavras minhas muito pouco sobre esta peça produzida pelos Artistas Unidos e em exibição no S.Luiz, aqui em Lisboa.
 Apenas referir que achei a peça soberba em todos os aspectos, que considero Maria João Luiz uma das melhores acrizes da actualidade, que vejo Rúben Gomes a melhorar de papel para papel, que é admirável ver um actor como Américo Silva.
 E dizer que acima de tudo e num resumo demasiado simplista e talvez demasiado redutor, que é uma peça sobre essa tenebrosa palavra: o TEMPO.

De resto deixo um apontamento que transcrevo do programa:

"Uma actriz (Alexandra Del Lago) que envelhece e enfrenta o desastre de uma vida, longe dos doces anos da sua juventude. Um rapaz( Chance Wayne) que a conduz de volta à sua terra natal. É domingo de Páscoa, mas nada vai ressurgir, não haverá ressurreição. Mas todos procuram voltar a um passado feliz que um dia teve lugar. Enquanto decorre uma sórdida manobra política. Uma das peças mais secretas (e problemáticas*) de Tennesse Williams – e como tantas vezes a derrota perante o tempo, o derradeiro voo do pássaro da juventude?"

Mas deixo sobretudo um texto absolutamente genial de Jorge Silva Melo, que a propósito desta peça vai além dela e presta uma maravilhosa homenagem aos seus artistas. 
Mas convém não esquecer aquilo que a modéstia de Jorge Silva Melo não lhe permite escrever: sem ele não teríamos esta magnífica companhia de teatro tão bem denominada Artistas Unidos, sem ele, o teatro português estaria incomensuravelmente mais pobre. 
Por isso mesmo, muito obrigado Jorge Silva Melo.

ACTORES DESTES DIAS
São tão extraordinários, tão dotados, tão únicos os actores com quem há anos venho trabalhando uma, duas, só três ou quatro vezes, é tão extraordinária a liberdade e a integridade conseguidas nestes já quase 20 anos dos Artistas Unidos. E estava a ver as rugas começarem a surgir, os cabelos brancos a aparecer e pensei: não quero que estes actores a quem tudo devo, a vida, a arte, o amor, tudo, a vida de todos os dias, não quero que percam aqueles papéis que foram escritos para eles, não quero deixar passar o tempo, quero ver a Maria João Luís, quero ver a Catarina Wallenstein, sim, quero ver o Rúben Gomes, quero ver o Américo Silva, quero ver a Isabel Muñoz Cardoso, quero ver a Vânia Rodrigues e o Nuno Pardal e o Tiago Matias e o João Vaz, estes que se têm juntado a nós, sim, quero vê-los decifrarem comigo as tortuosas peças de Tennesse Williams, aqueles papéis que só podem fazer agora, agora que o doce pássaro da juventude lançou voo.
Comovi-me quando li o meu adorado Peter Stein dizer ao jornal Público “nunca quis ser encenador quando era novo, quero só ajudar uns actores”. É tal qual: ajudar uns actores que admiro, encontrar teatros, dinheiro, tempo, colegas, roupas para eles nos darem o que só os actores sabem, lágrimas, risos, suores, no fundo, abraços estreitos durante a noite.
E assim nasceu esta ideia de revisitar Tennesse Williams, fazer “Gata em Telhada de Zinco Quente” em 2014, “Doce Pássaro da Juventude” agora, “A Noite da Iguana” lá mais para a frente, peças de outros tempos, de outros palcos, peças que saberei ajudar a fazer, peças que, garanto, foram escritas aguardando os seus corpos, estas vozes.
Pois só isso agora desejo: ajudar a fazer.
E que cada espectador possa guardar dentro de si a ousadia destes artistas cuja disponibilidade não sei se merecemos.
Assim, voltamos a ver aqui no “Doce Pássaro da Juventude” quase todos os actores com quem trabalhei “Gata em Telhado de Zinco Quente” que estreámos em Setembro de 2014 em Viseu e andou pelo país. E mais alguns que a nós se juntam. Como se fôssemos uma companhia fixa, tivéssemos salas de ensaio, programássemos horas e dias, temporadas e trabalhos. Porque os actores têm dentro de si inesperadas personagens, máscaras, poesias.
Estreada em Nova Iorque em 1959 com encenação de Elia Kazan* e interpretação de Geraldine Page, Paul Newman e Rip Torn, “Doce Pássaro da Juventude” que Richard Brooks filmou em 1962 com quase todo o elenco original

é uma peça desequilibrada, poderosa, desarrumada, insólita em que Williams se debate com as convenções da sua Broadway e avança para campos apenas entrevistos*. Joga técnicas consideradas impossíveis, escreve um primeiro acto que é em si mesmo uma longa peça de duas personagens, desenvolve no segundo personagens e temas imprevistos, abandona personagens, são duas horas de vertigens várias, dolorosas.
E mais uma vez pede ao espectador que partilhe um segredo. “Eu não vos peço piedade, só peço a vossa compreensão – não, nem isso – não. Apenas que me reconheçam a mim dentro de vós próprios, e ao inimigo, o tempo, em todos nós.”, diz Chance Wayne e podia acrescentar com o imenso Baudelaire “hypocrite lecteur, mon semblable, mon frère”.
Talvez seja esse o seu apelo, tratar-nos como irmãos.
Mas será possível devolver ao teatro aquilo que aparentemente o cinema fixou? Será possível voltar a estas peças sem as cores esplendorosas de Hollywood? Será possível a St,Cloud (cidade onde a peça se desenrola) sem Kazan nem Richard Brooks? Será possível ver outra vez Alexandra Del Lago e Chance Wayne e ver como eles falam mesmo de nós, da nossa cobardia, dos nossos medos, do tal “tempo que passa por cima de nós”? Será possível voltar a pôr no palco estes dilemas, esta ansiedade, esta sofreguidão?
Olha, é uma aposta. E aqui estamos”.


* - não percam a leitura deste magnífico texto da autoria de Carlos Marques da Silva 

segunda-feira, 6 de abril de 2015

"Le Gouffre"


Pelo menos dois anos foram necessários para criar de A a Z “ Le Gouffre”, uma curta metragem independente que continua a acumular prémios desde a sua difusão gratuita na Internet.

"Dois jovens aventureiros atravessam o mundo até que o seu percurso fica bloqueado por um imenso abismo aparentemente inultrapassável. Irão eles renunciar ao seu projecto?”

É esta em resumo a história posta no ecrã duma maneira muito poética por uma jovem equipa criativa de Montreal, que tomou o nome de “Studio Lightning Boy”.
O que aparece como particularmente notável com “Le Gouffre” é a sincera experiência humana que está escondida por detrás do ecrã.
Durante 10 minutos de animação são dezenas de artistas que se mobilizam, se organizam e acreditam suficientemente no seu projecto para o tornar uma realidade.
A aventura começa pelo imenso sucesso de uma campanha de “crowdfunding” no Kirkstarter.
Foi o público que lhes permitiu reunir os fundos necessários à pós-produção.
Sem esse movimento colectivo nada poderia ter sido concretizado.
Quase 24000 dólares foram reunidos pela equipa quando o seu objectivo era apenas de 5000.
A paixão e determinação dos três jovens fundadores - Carl Boucheman, Thomas Chéritien e David Forest - parece ter conseguido atingir o seu fim.
Note-se que não é muito normal dedicar dois anos da sua vida para produzir um filme de 10 minutos. O resultado é absolutamente incrível: qualidade de animação, banda sonora digna de uma grande produção, poesia, “Le Gouffre” é tudo isso!
O fruto destes esforços levam no começo de 2015 a uma projecção privada e depois a uma distribuição gratuita na Internet.
Seleccionada em mais de 40 festivais em todo o mundo, esta curta metragem de animação já obteve seis prémios, três dos quais para a melhor animação.
Um sucesso criativo e colectivo de um projecto de dimensão humana que dá gosto de se ver.
Le Gouffre from Lightning Boy Studio on Vimeo.

Para vos convidar a compreender todas as particularidades deste projecto, estes dois anos de esforços foram “ilustrados” num vídeo bónus, em que se resume a aventura.
The Journey Behind Le Gouffre from Lightning Boy Studio on

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quarta-feira, 1 de abril de 2015

Jackson Pollock


Jackson Pollock, nasceu em Cody, no estado de Wyoming, no dia 28 de Janeiro de 1912.
Foi um importante pintor dos Estados Unidos da América e referência no movimento do expressionismo abstracto.
Começou os seus estudos em Los Angeles e depois mudou-se para Nova Iorque.
Desenvolveu uma técnica de pintura, criada por Max Ernst, o 'dripping' (gotejamento), na qual respingava a tinta sobre as suas imensas telas; os pingos escorriam formando traços harmoniosos e pareciam entrelaçar-se na superfície da tela.
O quadro “Um” é um exemplo dessa técnica.

Pintava com a tela colocada no chão para sentir-se dentro do quadro.
Pollock parte do zero, do pingo de tinta que deixa cair na tela elabora uma obra de arte.
Além de deixar de lado o cavalete, Pollock também não mais usa pincéis.
Polémico, irrequieto, perturbador, diferente... São apenas alguns qualificativos que se pode atribuir a Jackson Pollock, cuja vida tumultuada acabou marcando profundamente a história da arte moderna. Pollock é considerado um dos mais importantes personagens da pintura pós-guerra e sua morte trágica e imprevista tornou-o famoso em todo o mundo.
Já o era, antes de morrer, apesar de nunca ter saído dos Estados Unidos.
Adolescente com problemas escolares, desde cedo se envolveu com o álcool e jamais conseguiu libertar-se dele.
Fez tratamento psiquiátrico algumas vezes, mas sempre retornava ao vício.
Na década de 40 conheceu Lee Krasner, pintora abstravcta com quem se casou e que o apresentou a pessoas importantes no mundo da arte.
Lee abandonou praticamente a sua carreira para dedicar-se a Pollock, ajudando-o na luta contra o álcool.
Por causa dele foram morar para um local afastado, procurando criar melhores condições nessa luta. Apesar de todo o esforço, o artista sempre retornava à bebida.
A separação acabou acontecendo e foi mais um motivo depressivo para o artista.
 De uma família com vários artistas, Pollock diferenciou-se imediatamente pelos seus métodos.
As suas telas, imensas, eram pintadas antes de serem estiradas.
Isso permitia que o artista praticamente caminhasse sobre a tela, fazendo parte dela durante o processo de pintar.
Também essa pintura era diferente.
Deixava a tinta escorrer de latas furadas ou as espalhava-as de outra forma, usando pedaços de madeira, ferramentas, escovas de dente, espátulas e outros processos, abandonando definitivamente o pincel.
O resultado era marcante.
Ver é deliciar-se.
A arte de Pollock combinava a simplicidade com a pintura pura e suas obras de maiores dimensões possuem características monumentais.
Com Pollock, há o auge da pintura de acção (action painting).
A tensão ético-religiosa por ele vivida impele-o até aos pintores da Revolução mexicana.
A sua esfera da arte é o inconsciente: seus signos são um prolongamento do seu interior.
Apesar de ter seu trabalho reconhecido e com exposições por vários países do mundo, Pollock nunca saiu dos Estados Unidos.
Aos 44 anos, em Agosto de 1956, quando voltava dirigindo embriagado de uma festa, morreu  num acidente de carro.
Ele simplesmente chocou com uma árvore.
Há quem sugira que, propositadamente, provocou o acidente.
Nunca saberemos com certeza.



























Como adendas importantes deixo aqui os links de: um vídeo curto, mas muito interessante de algumas formas como Pollock usava o "gotejamento" - https://www.youtube.com/watch?v=sDXMRN2IZq4 e também os dois links das duas partes da longa metragem de Ed Harris - https://vimeo.com/13593363 e https://vimeo.com/13676209

segunda-feira, 23 de março de 2015

Mais um...


Quando começamos a “descer a ladeira” que a nossa vida é, geralmente os dias de aniversário começam a ser pesados para nós e a não justificar uma comemoração.
Exceptuam-se por vezes os chamados “números redondos”, em que juntamos à nossa volta, familiares e/ou amigos.
Assim aconteceu quando fiz 50 anos, que quis fosse uma festa realmente grande pois além de ser meio século de vida, foi num ano deveras importante para mim, pois despedi-me da Covilhã para vir a residir na zona de Lisboa; reuni quase 100 pessoas num jantar muito animado no Clube de Campo, na Covilhã e depois fomos para um bar/discoteca até às tantas (nem todos,claro).
Os 60 foram também comemorados já cá em baixo, aqui em casa, com muito menos gente, mas ainda assim, rodeado de amigos.
Apesar da PDI, disto e daquilo, confesso que intimamente gosto de “fazer anos”, pois a maior comemoração é comigo próprio...até porque as comemorações com outras pessoas se resumem sempre a um simples jantar com o Duarte, aqui em Massamá e nada mais, o que aliás acontecerá hoje.
Mas, o ano passado custou-me muito, mesmo muito, “fazer anos” e por uma simples razão: eram 68 e este número traz-me à memória uma série de pessoas que faleceram com essa idade, a começar pelo meu Pai.
E infelizmente essa situação manteve-se este ano com mais dois grandes amigos a partir com essa idade.
Bolas, eu quero sair dos 68!
Venham os 69, pese embora o almoço sozinho, o habitual jantar com o Duarte, a saudade do Déjan, a falta de amigos que o continuam a ser, apesar de me ter isolado um bocado aqui no meu cantinho...
E para o ano, se houver oportunidade e lá chegar, e porque é um número redondo, ainda(...), porque não comemorar de novo?
Afinal a minha querida Mãe tem 92!

quinta-feira, 19 de março de 2015

"A Rosa Azul" e "Protege-me do que eu quero"

“A Rosa Azul” é um filme clássico realizado em 1965 por Chuck Renslow para o Kris Studios.
Este poético filme é uma extensão da fotografia do físico masculino na época, que Renslow cultivava. Para os padrões actuais o filme é muito puro, contudo em 1965, os filmes seguia as apertadas leis que então vigoravam para escapar à classificação de obscenidade.
Steve Kotis como o pastor grego e Ralph Kleiner na personagem que era encantado pela rosa azul são os protagonistas.



“Protege-me do que eu quero” é um filme realizado em 2009 por Dominic Leclerc, em que Saleem (Naveed Choudhry) é um estudante indiano que vive com os seus pais em Leeds (Inglaterra), e encontra Daz ( Elliott Tittensor) numa situação de engate, embora ele seja virgem, e têm uma noite de sexo com agrado mútuo.
 Mas, pela manhã, Saleem sente-se envergonhado do que fez e declara a Daz que não o quer ver mais. Da varanda, este observa o jovem indiano a afastar-se apressadamente, e algo há que o faz ficar feliz...
É um filme actual, com algum sexo explícito (longe de ser pornográfico), bem diferente do filme de 1965, mas igualmente muito puro na forma como é apresentada uma situação que se põe a tantos jovens – ter sexo pela primeira vez com outro homem, sendo esse o seu desejo, mas também o seu medo...

 

sábado, 14 de março de 2015

The Irrepressibles


“The Irrepressibles” é uma banda inglesa alternativa (arte-pop) criada em 2003 e que tem em Jamie Irrepressible  (Jamie McDermott) o seu mentor (vocais, guitarra, piano, programação electrónica e composição).
Os restantes membros são Sara Kershaw (piano e vocais), Apollo (violino e vocais), Chloe Treacher (violoncelo, contrabaixo e vocais) e Ollie Hipkin (percussão).
Esta banda lançou dois álbuns de estúdio completos: “Mirror, Mirror” em 2010 e “Nude” em 2912 e 5 Eps tendo também lançado alguns singles de grande êxito, dos quais o mais divulgado é “In This Shirt”.
Apresento aqui algumas das suas obras mais conhecidas em vídeos bastante sugestivos.






sábado, 7 de março de 2015

Julian Schnabel


A família de Julian Schnabel estabelece-se em Brownsville, no Texas, em 1965.
O adolescente que canta numa banda rock e grava um primeiro álbum, estuda na Houston University, Texas, entre 1969 e 1973, obtendo o seu BFA (Bachelor of Fine Arts) em 1973.
No final dos estudos, muda-se para Nova Iorque e frequenta o programa de estudos independentes do Whitney Museum of American Art em 1973-1974.
Decide então ser pintor, fixando-se na cidade de origem (trabalhando ao mesmo tempo como taxista e cozinheiro até 1976).
As suas obras são mostradas pela primeira vez em 1975, durante uma exposição no Contemporary Arts Museum de Houston.
Nessa altura viaja várias vezes até à Europa.
Em Barcelona, interessa-se muito pela utilização das cerâmicas partidas de Antoni Gaudí, no parque Güell.
Em reação à arte minimalista e conceptual da década de 1970, e criando obras consistentes, defende um regresso à pintura com temas figurativos e narrativos.
Esta pintura irá passar a ser conhecida por «Bad Painting» (má pintura), expressão que surgiu em 1978.
Corresponde a uma crítica ao bom gosto, que considera demasiado puritano, da geração anterior, e a uma vontade de reabilitação de uma subcultura.
Os grandes formatos transmitem uma sensação de vitalidade.
A distorção das formas e a violência das cores são à imagem do mundo.
Com Julian Schnabel, os outros seguidores da Bad Painting – David Salle, Robert Longo  e Malcolm Morley – os «grafitistas» – Keith Haring e Jean-Michel Basquiat – irão desencadear a indignação de uma crítica bem pensante.
A primeira exposição individual de Julian Schnabel em Nova Iorque acontece em 1979, na Mary Boone Gallery, tornando-o uma figura importante desse neoexpressionismo nova-iorquino.
A participação, em 1980, na Bienal de Veneza dá-lhe uma notoriedade internacional e a presença na exposição da Royal Academy of Arts, em Londres, no ano seguinte – A New Spirit in Painting – relaciona-o à transvanguarda italiana, ao neofauvismo alemão e à figuração livre em França.
O artista impõe-se, apoiado numa forte personalidade.
A partir de 1982, participa em várias exposições pelo mundo fora.
Recuperando a ideia de lixo, de deterioração, mas sem a estratégia glacial e decorativa da Pop Art, no início da década de 1980 dedica-se a colar, em painéis de madeira, cacos de pratos que cobre parcialmente com cores vivas.
Os formatos são frequentemente monumentais, cobrindo paredes inteiras.
O expressionismo é violento, no conteúdo e na forma.
Provoca voluntariamente o choque do espectador, não só pela técnica, mas também por temas como um Cristo na cruz ou um São Francisco em êxtase.
Regressa mais tarde a um expressionismo mais tradicional, quase minimalista, sempre sob o tema da religião (Holy Night [Noite Santa], The Incantation [A Evocação], ambas de 1984, Veronica’s Veil [O Véu de Verónica], 1983, e as séries Recognitions  [Reconhecimentos] e Stations of the Cross [Via Sacra], de 1987), trabalhando sobre veludo, tela alcatroada ou couro.
Aos trinta e seis anos, Schnabel publica uma autobiografia CVJ: Nicknames of Maitre D’S and Other Excerpts from Life (1987, Random House).
Regressa à música com um álbum, Every Silver Lining Has a Cloud (1995, Polygram Records).
Em 2002, é diretor artístico do álbum By the Way da banda The Red Hot Chili Peppers.
Instalado no mundo artístico, Julian Schnabel vira-se para o cinema.
O início desta carreira está diretamente ligado ao seu próprio percurso artístico: em 1996, escreve e realiza Basquiat – uma homenagem ao amigo e pintor Jean-Michel Basquiat, que conheceu em 1981, falecido prematuramente em 1988.
O filme seguinte, de 2001, Before Night Falls [Antes que anoiteça] – no qual é argumentista, realizador e produtor – é dedicado à vida do escritor cubano Reinaldo Arenas que, após desilusões, exílio e detenção, acaba por se suicidar em 1990.
Em 2007 adapta ao cinema o romance autobiográfico do jornalista francês Jean Dominique Bauby, Le Scaphandre et le papillon [O escafandro e a borboleta], filme premiado no Festival de Cannes e nos Golden Globes.
Nos seus filmes, Julian Schnabel perpetua a memória daqueles que foram derrotados por dramas pessoais.
Confirma o interesse por este tema quando realiza, em 2007, Berlin, um documentário que mostra o outro lado da tournée do lendário músico rock Lou Reed, baseado no seu álbum Berlin, de 1973.
Esta grande figura da arte contemporânea, hoje em dia representada nos mais importantes museus do mundo, nunca interrompeu o seu trabalho de pintor.
Privilegiando a relação com o espaço de exposição, escolhendo o tema em consequência, adapta a sua obra a cada exposição, como recentemente, em 2007, em Itália, no Palazzo Venezia de Roma e na Rotonda della Besana de Milão, no Schloss Derneburg de Holle, Alemanha, e na Tabacalera Donostia de San Sebastian, Espanha.
Depois do World Art Museum de Pequim, China, expõe na Gagosian Gallery de Beverly Hills, nos Estados Unidos, onde mostra um trabalho sobre o último dia de Cristo com radiografias encontradas em Berck (França), durante a rodagem do filme Le Scaphandre et le papillon.